ГлавнаяСтатьи Живопись - традиционное и новое. Часть 1
Опубликовано 5.06.2016 в 11:15, статья, раздел Арт, рубрика Профессиональное искусство Великого Новгорода
автор: Татьяна Володина
Показов: 590

Живопись - традиционное и новое. Часть 1

В послевоенное десятилетие советская живопись развивалась, в основном, в традициях реалистического искусства.

Новгород не был исключением из общего правила, что подтверждают сохранившиеся произведения художников старшего поколения Я.К. Каева, А.И. Попова (Боровичи), А.М. Мантейфель, Т.Н. Гиппиус (Новгород). Эти художники работали в жанре пейзажа – эпического, индустриального и лирического (Каев, Попов), заметное место занимал архитектурный пейзаж (Мантейфель). Картины, которые можно отнести к историческому жанру, имели преимущественно иллюстративный характер. В целом, хотя некоторые из работ были вполне профессиональны, говоря о периоде конца 1940-х – первой половины 1950-х гг., приходится констатировать скорее намечающиеся тенденции, чем наличие конкретных ощутимых достижений. Это относится и к творчеству художника более молодого поколения – Семена Ивановича Пустовойтова. Он пробовал себя и в жанре архитектурного пейзажа (лучшая из сохранившихся работ этого периода – «Вяжищский монастырь»), и в исторической картине («Микула Селянинович и Вольга», «Утро Великого Новгорода»). Его привлекали сюжеты, требовавшие монументальной живописной формы. Но наиболее выразительными и художественно значимыми оказывались этюды, натурные зарисовки.

Думается, что вполне справедливо будет утверждать, что только на рубеже 1950-х – 1960-х гг. в Новгороде сформировалась группа художников-живописцев, творчество которых отличалось и высоким профессионализмом, и самостоятельностью художественно-образных решений. В. С. Рябов и Д. В. Журавлев, В. М. Чехонадский и Г. М. Штендер, Л. П. Новикова и Д. С. Кондратьев – во многом благодаря «хрущевской оттепели» с ее коротким, но свободным дыханием – нашли свой путь в живописи, свой стиль и образный строй, индивидуальную интонацию. Принято считать, что два жанра выходят в Новгороде в этот период на первый план – пейзаж и натюрморт. На самом деле ситуация была значительно интересней и сложней. Картина (и сюжетная, и символическая, и декоративная) и портрет являются неотъемлемой частью художественного пространства Новгорода 60-х и 70-х гг. Произведения этих жанров не так часто попадали на большие выставки, их недооценивали, иногда ругали, но они были. И во многом именно благодаря им оказалось очень точно передано время. Оценить их по достоинству помогли лишь большие ретроспективные персональные и групповые выставки. Новгородская живопись прошла в своем развитии несколько этапов. Первый из них связан с тем, что благодаря снятию многих запретов, словно заново, открывались французский импрессионизм и его российская интерпретация, искусство русского «серебряного века», некоторых направлений первого послереволюционного десятилетия. Раннее творчество мастеров «Мира искусства», «Голубой розы», «Бубнового валета», художественная практика таких объединений, как «ОСТ» и «4 искусства» оказывали сильное влияние на первое послевоенное поколение художников. Это вело к обновлению художественного языка, большему разнообразию формальных решений, в конечном итоге к освобождению от штампов. Поиск нового языка, новой выразительности оказался не менее важным, чем постижение новых тем, сюжетов и образов. Меньшая регламентация стилистики давала возможность ориентироваться в творческих поисках на очень разных художников – представителей русского авангарда (Д. С. Кондратьев) и «бубнового валета» (Д. В. Журавлев), «рериховского» символизма (Г. М. Штендер) и русского живописного реализма начала XX века (В. С. Рябов). Причем, стоит заметить, что прямых аналогий, откровенных заимствований мы не найдем. Один и тот же источник вдохновения приводил разных художников к очень несхожим результатам.

Г. М. Штендер

Один из основателей НОСХ – Г. М. Штендер – известен, по преимуществу, как мастер архитектурного пейзажа, в котором реальные впечатления опоэтизированы и соединены с глубокими знаниями архитектора - исследователя.

Г. М. Штендер

Произведения Штендера декоративны, многие из них разбеленностью цвета, обобщенностью формы напоминают фресковые росписи. При этом однозначно определить истоки индивидуального почерка художника непросто. Очевидным является лишь тот факт, что древнерусская художественная культура в целом оказала на него определяющее влияние. Второй фактор – творчество Н. К. Рериха, сумевшего в начале XX столетия заново открыть красоту и своеобразие славянского средневековья, символически осмыслить этот непонятный для человека нового времени мир. Особенно заметно влияние Рериха в картинах «Гонец», «Торг». Сближает принцип, который можно сформулировать как художественнообразная реконструкция прошлого, своего рода символический ретроспективизм.

Сущеня - "Река Волхов и Ярославово дворище"

В. М. Чехонадский параллельно с работой по реставрации икон занимался живописью. Постепенно он сформировался как вполне оригинальный пейзажист. В его ранних работах преобладало декоративное начало. Это особенно явственно в архитектурных пейзажах. Жгучие оранжево-красные тона, активные бирюзово- голубые держат плоскость холста. Архитектурные формы, проступающие сквозь этот основной цвет – графичны и плоскостны. В более поздний период раскрылось лирическое дарование художника, что сказалось в выборе мотива. Он отдает предпочтение миру природы, архитектурные памятники выступают в единстве с этим миром. Меняется и понимание цвета. Живописная ткань картин становится более сложной и богатой, цветовые отношения смягчаются, появляется утонченность оттенков и общей колористической гаммы. Масляную живопись в последнее десятилетие творчества мастера начала вытеснять пастель. Небольшой формат не мешает художнику создавать панорамы Валдая и окрестностей Новгород, прозрачные и скрытые туманом, переливающиеся красками осени и передающие влажность весеннего воздуха. В других произведениях он приближает, укрупняет изображение. Крона дерева, куст цветущей сирени – занимают весь первый план. Небо едва виднеется через эту живописную завесу. Пастели В. М. Чехонадского трудно отнести к графическому искусству. Они продолжение и развитие его живописного стиля. В. С. Рябов, не получив систематического образования, учась «на ходу», сумел развить свою самобытную творческую индивидуальность и стать не просто одним из выдающихся живописцев Новгорода, но уникальным явлением, почти мифом. Начав с небольших натурных пейзажей вполне реалистического характера, он постепенно пришел к большей свободе формы, к исследованию возможностей декоративной концепции в построении картины. В конечном итоге В. С. Рябов выбрал цвет, как смысловую, эмоциональную и формально-пластическую основу своего творчества. Картины художника, начиная с 1970-х годов – будь то натюрморты, пейзажи или портреты – это мощно звучащие симфонии цвета. Постепенно длинный широкий мазок и отчетливое цветовое пятно начинают уступать место отрывистому, скульптурно сформированному мазку. Поверхность холста превращается в рельеф, каждый фрагмент которого имеет вполне самостоятельную эстетическую ценность, а все произведение на волне цветовой стихии уносит зрителя в неведомое пространство, далекое от обыденной реальности, в котором все на пределе – мысли, чувства, действия.

А.И. Завьялов - "Посиделки"

Эмоциональные возможности цвета привлекали и других новгородских мастеров старшего поколения. У В. Ф. Филипченко вполне реалистическая концепция пейзажа – архитектурного и деревенского – соединяется с удивительной открытостью цветового решения. Он не боится упрощения и акцентирования цвета, его самостоятельности и активности. В его понимание цвета есть наивность и простота, свойственные народному искусству. А. И. Завьялов плодотворно работал как монументалист на протяжении более 30 лет. Параллельно художник занимался станковой живописью и графикой. Его произведения – пейзажи, натюрморты, портреты и жанровые композиции – привлекают гармонией цвета, ритмическим многообразием, свободой композиционных построений, музыкальностью. Художник преобразует реальный мотив, добиваясь декоративной выразительности и цельности. Близкие качества можно найти и в произведениях Г. В. Горевого.

Л.П. Новикова - "Поле"

Интерес к цвету, его выразительному потенциалу характерен и для творчества Л. П. Новиковой, начинавшей как художник театра. На протяжении 15 лет ею были созданы эскизы костюмов и декораций более чем к 50 спектаклям. Они отличались высоким профессионализмом, органичным сочетанием традиции и новизны. Но станковая живопись все-таки стала для нее главным. В ранних картинах Л. П. Новиковой можно увидеть моделирование формы чистым открытым цветом использование контура, некоторую условность пространства. Она пишет натюрморты, в которых декоративность общего решения не мешает существованию лирического образа, интимной интонации. Особенно это чувствуется в натюрмортах с цветами. В конце 1970-х наступает перелом в творчестве художника. Работа на пленэре привела к новому пониманию формы, к освоению иного, чем прежде, художественного языка. Эти изменения с очевидностью выступают, как в натурных этюдах, так и в больших пейзажных и сюжетных картинах. Главным становится спокойная объективность в передаче природы и человека. Художник останавливает свой выбор на простом, почти тривиальном мотиве. Декоративность уступает место тонкой разработке тональных отношений, оживленных редкими и сдержанными цветовыми акцентами.

В 1960 – 1970 – е годы в искусстве Новгорода, в том числе и в живописи, получили развитие самые разные тенденции. Так в ранних произведениях Д. С. Кондратьева чувствуется влияние «сурового» стиля. Однако в то же время художник начинает увлекаться русским авангардом, лубком и примитивом. Тема дороги, ведущей к храму, как дороги, длинной во всю жизнь, сквозная в творчестве художника. Безграничность мира, сотканного из классических сфер – воздуха, земли, воды и огня, его угнетающее величие подчеркивается крошечной, соразмерной с человеком церковкой, сияющей на горизонте («Колоколенка»). Этот мир населен и людьми, и ангелами («Тревожный Ангел»), грешниками и святыми («Апокалипсис»). Жизнь человека ощущается и передается художником как житие великомученика, достойного сострадания и любви. Упрощенность цветового и пластического решения, «рубленность» форм, просвечивающая фактура холста, почти мешковины – вполне органичны, для автора и его героя – философа, лишь на вид простоватого, но в сущности мудрого и цельного в своей вере.

П. Сезанн - "Гора сэн"

Наследие П. Сезанна, новейшие течения XX век: экспрессионизм, сюрреализм, кубизм, абстрактное искусство – в 1970-е гг. интересовали новгородских художников не меньше, чем живописный реализм и русский авангард. Произведения Е. В. Сущени, живописные опыты В. В. Журавлева, раннее творчество А. А. Варенцова свидетельствуют об этом.

А. А. Варенцов - "Гроза над полем"

Особое место в искусстве Новгорода занимает Д. В. Журавлев. Он и его творчество – своего рода связующее звено между разными поколениями новгородских художников. Его мастерство и масштабность замыслов, глубокое понимание роли традиции и жажда новизны, мучительный поиск истины и стремление быть признанным и понятым сегодня – привлекали внимание к его творчеству. В каждый период жизни он был объектом критики и подражания. В произведениях рубежа 1950-х - 1960-х гг. непосредственность, характерная для пленэрного этюда, соединилась с композиционной четкостью, точно расставленными акцентами линейных и цветовых доминант, объективное видение – изобразительность, с субъективным переживанием – выразительностью. Вторая половина 1960-х гг. – это время активного поиска нового формального языка, его соответствия той картине мира, которая складывается у художника. Д. В. Журавлев ищет выразительность в упрощении и деформации рисунка, в его конструктивности, в контрасте линии и пятна, наконец, в исключительной роли цвета. Картины «Ожидание», «Старый косарь», «Полдень», «Пиета. 1941 год» – относятся к наиболее значимым работам второго периода.

Д.В. Журавлёв

К началу 1970-х г художник получает широкое признание как мастер натюрморта. Натюрморты этого периода представляют собой выраженную живописным языком философскую мысль об устойчивой, вечной, не выдуманной красоте природы и сотворенных человеком простых предметов. В них есть радость узнавания и проникновения в сущность бытия. По форме – натюрморты Д. В. Журавлева – это хорошо «устроенные» картины. В них нет ничего случайного, не осмысленного. Композиция выверена, нередко репрезентативна и открыто постановочна. Каждый предмет выделен контуром. Художник, как правило, отступает от прямой перспективы. Вся «жизнь» натюрморта создается цветом, богатым, звучным, иногда подчеркнуто открытым. Именно в это время происходят серьезные изменения в понимании значения фактуры холста, рельефа красочной поверхности и характера мазка. В целом, почти во всех произведениях этого периода просматривается одна тенденция – утверждение возможности соединения серьезной, глубокой мысли и откровенной декоративности, как главного формального принципа. В 1980-е годы меняются мотивы, более сдержанной, почти тональной становится палитра, возникает новая интонация. Образ приобретает реалистическую глубину.

Д.В. Журавлёв - "Косарь"

В постсоветское время Д. В. Журавлев развивает художественно - образные идеи и формальные находки 1970-х годов, вырабатывает новые композиционные и колористические решения. Он создает целую серию монументальных произведений символического характера («Сотворение храма», «Реквием»). Образы его картин значительны, ассоциативный ряд богат и сложен.

Продолжение читайте через неделю.

Другие статьи автора

Показать ещё
Подписывайтесь на наши социальный сети: